Jeg vil sige begge dele. Når jeg optager f.eks. Blues, rock, hard rock eller virkelig enhver form for rytmisk musik, ville jeg stadig lægge instrumenterne ud i en stereokonfiguration, der efterligner scenepositioner; føre vokal, trommer og bas i midten, instrumenter, der optager lignende frekvensområder, går på modsatte steder. Derfra vil jeg lege rundt for at se, om der kommer et andet interessant aspekt.
Der er en grund til, at de fleste bandkonfigurationer ser ens ud over en bred vifte af genrer - fra symfoniske orkestre til heavy metal-bands til R&B og hip hop. Meget af det har at gøre med, at instrumenterne fungerer pænt sammen for at producere en sammenhængende lyd. Evnen til at se, hvad der foregår (dirigenten eller bandlederen) spiller også ind. Så selvom du laver musik bare med synthesizere og sampler, er visse lydegenskaber som det faktum, at vi ikke kan registrere retningen for lav frekvens lyde får dig sandsynligvis til at ende med at placere bas og trommer i midten af blandingen. Hvis du har to synth-lyde, der optager det samme frekvensområde, kan placering af dem i hver side muligvis forhindre, at din blanding også lyder forvirret - ligesom eksemplet med virkelige instrumenter ovenfor.
Jeg tror, at det vigtigste er for at prøve en række muligheder. Hvis du gør noget meget ud over det sædvanlige, vil selv lyttere, der ikke er lydproduktionskyndige, bemærke, og det kan aflede deres opmærksomhed i en retning, du ikke vil have. Men i andre sange kan panorering af hovedvokalen hårdt lige være det, du ledte efter.
Hvis du mikser for et bredere publikum, så glem ikke at lytte til din mix i mono også! Nogle mennesker lytter muligvis i mono-setup eller har deres højttalere virkelig tæt på hinanden. Din blanding skal stadig lyde godt i sådanne situationer, og enhver gimmicks, der er afhængige af smart panorering, går naturligvis tabt på disse lyttere.